Estas son 5 claves sencillas que considero imprescindibles para mejorar como fotógrafo, y por tanto, para que mejoren tus fotografías.

1. Deja de aprender y sal a practicar
Es normal que leas blogs de fotografía, libros, cursos, etc … pero si no practicas la teoría no sirve de mucho. Y en el caso de la fotografía no puede haber nada más cierto.
Te dejo sólo que leas el manual de la cámara (hay que saber para qué sirve cada botón), pero nada más. Con unos pequeños conocimientos básicos  que seguro ya conoces de sobra … es el momento de hacer fotos.
No te quedes en la “parálisis por el análisis”. Algo que ocurre muy a menudo en otros ámbitos de la vida. Piensa en aprender un idioma. Por mucho curso, libro o diálogo interior que tengas no vas a aprender realmente hasta que te vayas a un entorno extranjero no controlado y te tires de cabeza.

2. Conoce tu equipo
Expresión que seguramente habrás oído muchas veces a Zack Arias.
Si no sabes lo que tienes (y no significa sólo que te hayas leído el manual) no sabrás lo que puedes o no puedes hacer con él. Deja de comprar objetivos, flashes y otros “cachivaches” y empieza a utilizar lo que ya tienes.

¿De verdad que necesitas comprar ese difusor de flash si ni siquiera sabes utilizar el flash en modo manual y conoces la ley inversa del cuadrado? ¿Sabes que ese flash que disparas siempre en los partidos de fútbol no llega a iluminar el campo?¿para qué lo disparas?

3. El fondo es importante
Seguro que siempre has oído que lo importante en fotografía es el sujeto, el tema que retratas.
Siento decirte que pocas veces vas a encontrar a ese sujeto/temática de forma aislada. Suele estar en un contexto y es importante que lo “aísles” del fondo.
No pienses sólo en controlar la apertura para desenfocar un fondo (a veces en el fondo desenfocado aparecen cosas que no deberían estar allí, como determinados colores que rompen la escena).
Así que la próxima vez que vaya a hacer una foto, fíjate primero en el fondo y piensa si es eso lo que quieres que se vea “detrás de tu foto”.

4. Acércate al objeto de la toma y/o dispara desde el ángulo apropiado
Igualmente recordarás esa frase de “cuando crees que estás lo suficientemente cerca … es que no estás lo suficientemente cerca”.
El objeto/sujeto de tu fotografía debe destacar. Y eso se hace acercándose lo suficiente (y/o poniéndolo en el contexto adecuado con el fondo). Si quieres la foto de una flor … acércate a la flor. No hagas la foto desde la esquina de enfrente.

Y totalmente prohibido hacer las fotos desde tu altura y/o ángulo de 45 grados (apuntando para abajo). Las fotos se hace a ras de suelo, desde lo alto, desde la esquina, desde cualquier lado que no sea la altura de tus ojos.

5. Si no sabes procesar fotos, utiliza filtros fotográficos
Cada vez veo más opiniones enfrentadas al uso de filtros o al empleo de aplicaciones como Instagram.
Qué sí, que cada vez las fotos se parecen más, y que el estilo vintage con bordes lo llena todo; pero cuando vemos una foto procesada … nos parece mejor foto.
Seguro que te habrás fijado en los programas de TV o cine, en el grano de la película. Cuando vemos algo rodado con una cámara “amateur” con decorados de cartón piedra … se nota mucho. Percibimos más calidad cuando vemos esa película o serie con textura cinematográfica.
Lo mismo pasa con las fotos. Si quieres que destaquen aprende a procesar. Y si no sabes … utiliza filtros.

Ahora que comienza el año con nuevos propósitos, ¿qué mejor momento para poner estas claves en práctica?

La adopción de la fotografía digital ha dejado muchos procesos, técnicas y dispositivos en el olvido.

No hay nada malo en ello. El mundo va avanzando, y la fotografía digital lo hace a pasos de gigante.

Sin embargo hay algo que sobre todo las “nuevas generaciones” están descuidando mucho: la medición correcta de la luz.

Desde el clásico Sistema de Zonas de Ansel Adams hasta las modernidades del controvertido “derecheo del histograma” al final siempre se trata de lo mismo, medir bien la luz.

Las cámaras tienen diferentes modos de medición (central, evaluativa, ponderada al centro, etc …) y diferentes formas de mostrar el histograma (el santo grial hoy en día) incluso de forma “viva” con el modo Liveview.

Sea como sea, tenemos que pensar que no es lo mismo medir la luz incidente que la luz reflejada. Y nuestra cámara siempre lee luz reflejada. Todavía no se han construido exposímetros que se teletransporten.

¿Y eso importa mucho? Para determinado tipo de fotografía, y según lo pulcro que seas … sí, mucho.

Es claro que en un paisaje no vas a medir luz incidente, no te vas a ir hasta la montaña, pero en situaciones más controladas y sobre todo en un estudio la utilización de un fotómetro o flashímetro de mano es imprescindible. Algunos dispositivos avanzados incluso nos ayudan con las matemáticas asociadas a la combinación de luces.

La diferencia entre exposímetro/fotómetro/flashímetro … y otros nombres que veréis por ahí, es el tipo de luz que miden: si sólo luz ambiente, si luz de flash, etc. si permiten hacer cálculos de composición sólos, el número de pasos que soportan, etc …

Yo utilizo de forma habitual un modelo básico y barato (alrededor de los 200 €), el Sekonic 308, que hace todo lo que quiero y más. Antes tenía un Minolta Flashmeter IV que me complicaba la vida y se pasaba más tiempo en la mochila que fuera. También utilicé un Polaris que no acabó de convencerme aunque es de lo más utilizados.

Como os decía en el estudio es fundamental si no quieres estar continuamente con ensayo/error modificando la potencia de los flashes.

Pero en exteriores también representa una ayuda considerable. Y podéis hacer la prueba de cómo cuando la cámara y el fotómetro de mano os dan valores diferentes … la mejor foto la obtenemos con el fotómetro. Los reflejos suelen ser malos consejeros que los fotómetros tratan muy bien a la distancia.

Por último comentaros que es muy usual tener un fotómetro/flashímetro y no saber utilizarlo. A pesar de la cantidad de bibliografía existente la lectura de sus datos no es tan sencilla como parece, y la mayoría de la gente que se compra uno y empieza a utilizarlo no consigue interpretar correctamente la información que presenta. No es su culpa;  los fabricantes en este caso son complicados, muy complicados.

Os aconsejo este artículo de Pere Larrègula de cómo leer correctamente la información de estos pequeños aparatejos.

¿Ya has decidido qué te vas a comprar por reyes?

De entre toda la gama de filtros que tenemos disponibles para nuestros objetivos destaca en gran medida el filtro UV. No hay que confundirlo con el Skylight, aunque mucha gente los utiliza de la misma forma. El filtro Skylight es un filtro UV más una “capa” rosada que proporciona tonos más cálidos a una foto.

Su uso principal es la reducción/eliminación de la luz ultravioleta que llega al objetivo (y que no vemos).Pero la verdad es que la mayoría de los sensores de cámaras digitales ya los llevan incorporados “por defecto”.

Se supone que no modifican la exposición de la fotografía y permiten la reducción de neblinas y brumas.

Primer error. Los filtros, todos los filtros, tienen efectos secundarios.

Mucha confusión viene de considerar a los filtros UV y Skylight como filtros protectores.

Ya que su efecto en la exposición es mínimo sirven muy bien para proteger la parte frontal del objetivo de golpes, ralladuras y accidentes.

No podemos pensar que son totalmente inocuos. Si son de mala calidad se va a notar en nuestra foto.

Cuando alguien se gasta 2000 € en un objetivo (cristal si hablamos de esos precios) debemos pensar en el filtro “protector” que vamos a poner. Gastarse sólo 15 € más en proteger tu objetivo representa perder toda la calidad óptica que acabas de adquirir.

Y no sólo eso, en una fotografía nocturna podemos ver como este tipo de filtros provoca “destellos”, “manchas”, “flares” … en nuestras fotos.

En la siguiente muestra, a la izquierda, tenemos una toma con el filtro UV puesto. A la derecha la misma fotografía apenas unos segundos después sin el filtro. Las diferencias de exposición son más de lo rápido que cambia a luz a esas horas que de la acción del filtro.

pincha en la foto para verla en grande

Si vemos con más detalle la zona de la farola podemos observar los problemas que nos causa su empleo:

Así que ya sabes. Durante el día te recomiendo que utilices el filtro como protector (un buen filtro). Pero por la noche … mejor quítalo del objetivo. Tus fotos te lo agradecerán.

El evento fotográfico de este fin de semana está siendo el Curso de Fotografía de Estudio de Zack Arias en CreativeLIVE.

Se trata de un evento que me tiene total y absolutamente maravillado, y no sólo en el ámbito fotográfico.

Existen muchas transmisiones de eventos en Internet. La mayoría no alcanza el par de horas y la calidad de emisión no suele hacer que te quedes pegado a la pantalla.

Pero en este caso la gente de CreativeLIVE lo está “bordando”. Un evento de 3 días (hace pocos minutos acaba de comenzar la tercera parte) en el que  llevan como más de 20 horas de emisión. Emisión en directo y diferido para agradar a las diferentes zonas horarias. Un equipamiento de estudio (tanto de grabación, edición, sonido) impresionante, salas de chat, twitter, hablando con la gente …. en fin, no sé si me maravilla más lo fotográfico o la técnica de emisión en directo de alta calidad que están realizando.

Ya sabemos que Internet es uno de los principales canales de formación personal al que podemos acudir. Pero estar presenciando este evento, de forma gratuita, a casi 12.000 Km. de distancia es impresionante.

Zack Arias es un reconocido fotógrafo muy activo en Internet cuyas dotes para la enseñanza creo que están quedando fuera de toda duda. Aunque en algunos momentos se vuelve lento, repetitivo o salta a explicaciones muy básicas, en general el evento está siendo muy interesante. Por ahora destacaría que si quería hacerle publicidad a los Alien Bees, lo está consiguiendo. Yo que los consideraba “strobists avanzados”, pero me está sorprendiendo lo que son capaces de conseguir.

Ya nadie puede decir que no puede montar un buen estudio con poco dinero.

La fotografía nocturna siempre se nos presenta como una disciplina “complicada”. Normalmente necesitamos manejar largos tiempos de exposición y “pelearnos” con el ruido de la toma. Dos puntos importantes que hacen que nos lo pensemos dos veces antes de emular a Ralf Uicker.

Aunque la siguiente es una fotografía HDR,  representa muy bien el tipo de fotografía que nos gustaría conseguir de nuestras ciudades:

Fotografía de Alex

La teoría es sencilla y sólo necesitamos:

• Una ciudad como Nueva York (o la misma Nueva York)
• Una cámara con un comportamiento más que aceptable a 3200 ISO
• Un buen trípode
• Una posición de tiro elevada
• Unas cuantas tomas, bien expuestas, que nos permitan un procesador HDR posterior
• Un control exquisito de la luz para que toda la escena esté perfectamente iluminada

Ironías a parte en este post vamos a ver cómo podemos obtener un resultado “decente”, mediante un procesado Photoshop, cuando nuestro equipamiento no es el más adecuado.
No nos vamos a centrar en el detalle del procesado. Sólo queremos mostrar la idea general que subyace a este procesado y ver cómo muchas veces las limitaciones para este tipo de fotografía nos las ponemos nosotros mismos.

Veamos como el juego de reducción de ruido + enfoque puede darnos una nueva perspectiva (haz click en cada foto si la quieres ver más grande)

1. Seleccionando el Objetivo (de la foto, no de la cámara)

En España no tenemos ciudades como Nueva York, pero una buena vista elevada de Barcelona no está mal para empezar, ¿no?.
Una foto de día nos puede dar idea de lo que intentaremos captar por la noche:

Vaya. Parece que en el Hotel nos dieron una vista elevada, pero quizás no tengamos edificios “representativos” a la vista. Tendremos que esperar a la noche para ver qué podemos hacer.

2. Toma nocturna

Sabemos que las condiciones de la captura van a ser complicadas. No podemos abrir la ventana del Hotel, así que para evitar reflejos y la propia suciedad de la ventana tendremos que acercarnos a la misma y apagar la luz de la habitación.
Y aunque tenemos condiciones complicadas, un poco de equipamiento base sí que es necesario: trípode, disparador remoto, captura en RAW y bloqueo del espejo.
El uso del trípode es completamente necesario, el resto ayuda.
El disparador remoto nos evitará mover la cámara más de lo necesario (si no lo tienes siempre puedes programar el temporizador) y el bloqueo del espejo ayuda igualmente a que ese movimiento sea mínimo o inexistente. La captura en RAW es más que recomendable, seguro que no acertaremos con la exposición y queremos tener margen de maniobra.

Con todo el equipamiento colocado, seleccionamos el modo Manual de la cámara y el enfoque manual igualmente. Como valor ISO vamos a dejar ISO 800. Lo ideal sería un 100, pero con 800 podremos calcular mejor la exposición y ya veremos cómo podemos arreglar el ruido.

Podemos hacer varios disparos de prueba, a ver qué nos sale. Con un ISO 800 es posible que el exposímetro de tu cámara te pueda dar indicaciones de cual sería una exposición correcta.

En este caso vamos a utilizar f18 y 25 segundos de exposición:

No parece una mala exposición. Aunque tenemos un ruido muy apreciable (sobre todo en el cielo) y una farolas que iluminan más de lo normal. Además de las manchas del cristal de la habitación que trazan “surcos” por la fotografía. Tampoco el encuadre es de lo mejorcito, pero sí que se convierte en una foto para comenzar a trabajar.

3. Procesado básico

Por procesado básico entendemos el revelado RAW de la fotografía. Vamos a realizarlo intentando conseguir un histograma “bonito” y recuperando las altas luces:

No estoy siendo muy pulcro en el procesado, ya que lo que quiero mostraros es cómo vamos a conseguir nitidez sin ruido en una toma nocturna.

Con este procesado lo que sí podemos ver es que ya comenzamos a ver los coches (parte inferior derecha) que antes quedaban ocultos por la luminosidad de la farola.

4. Quitando el ruido

El ruido sólo se puede quitar mediante el empleo de software específico. Y aunque durante mucho tiempo fui un fiel seguidor de Noise Ninja, ahora lo soy de Topaz DeNoise. Justo esta semana se está presentando la versión 4 del software, aunque en un breve twitteo con phosy me comenta de no estar seguro de que mejore lo que podemos encontrar en la próxima revisión de Ligthroom.

Vamos a pasar la foto por Denoise:

Si seleccionamos el procesado por defecto “Strong Noise”, este es el resultado en una de las zonas:

Y este el resultado global de la fotografía:

El “ruido” ha desaparecido de forma completa. ¿Todavía sigues pensando que es necesaria una cámara de 200.000 ISO?

5. Enfocando

Aunque los reductores de ruido actúan sobre el enfoque, o más bien dicho, dificultan el enfoque (es como quitar ruido para volverlo a meter), estoy contento ya que no observo ese efecto de forma muy acusada con Denoise. Ahora podemos actuar sobre el enfoque de la fotografía en Photoshop. Si le damos un enfoque fuerte: 144, 2, 3 obtendremos el siguiente resultado:

Si nos acercamos a una zona complicada de la imagen podremos ver cómo podemos ver los coches, ventanas, farolas …. muy detalladas y prácticamente sin ruido (el reflejo de la ventana de la habitación es otra historia ):

Lo dicho. Antes de pensar en cambiar de equipo por falta de ISO, consideremos otras opciones. Los reductores de ruido por software cada vez hacen mejor su trabajo.

ACTUALIZACION: Phosy ha aceptado un reto comparativo de reducción de ruido bajo LR3 que os invito a leer. Gracias por este experimento cruzado de posts.

]]> http://www.mundoparalelo.com/2010/05/10/fotografiando-ciudadespor-la-noche/feed/ 3 http://www.mundoparalelo.com/2010/03/22/bbc-master-classes/ http://www.mundoparalelo.com/2010/03/22/bbc-master-classes/#comments Mon, 22 Mar 2010 21:36:11 +0000 Julio Mateos http://www.mundoparalelo.com/?p=1164 Vía lifehacker me entero de la publicación online y completa de los artículos de fotografía de naturaleza BBC Master Classes. Publicados en las páginas de BBC’s Wildlife magazine, las Photo Masterclasses son artículos escritos por fotógrafos Wildlife y especialistas en la fotografía de naturaleza. Una colección imprescindible.]]>

Vía lifehacker me entero de la publicación online y completa de los artículos de fotografía de naturaleza BBC Master Classes.

Publicados en las páginas de BBC’s Wildlife magazine, las Photo Masterclasses son artículos escritos por fotógrafos Wildlife y especialistas en la fotografía de naturaleza. Una colección imprescindible.

Las sesiones con modelos es una de las prácticas fotográficas que más interés despierta en los fotógrafos (que me perdonen los fotógrafos de naturaleza). Bien sea por la imagen que usualmente transmite la industria publicitaria, el binomio fotógrafo/modelo sigue provocando una atención especial.

Voy a seguir hablando de fotógrafo en masculino y modelo en femenino, por ser la combinación más usual, sin ser políticamente correcto.

La fotografía de modelos no ocurre sólo en un entorno publicitario. El retrato siempre ha sido una de las grandes prácticas fotográficas y mucho de lo que vemos en Internet se parece más al retrato que a la creación publicitaria.

Iniciarse en la fotografía con modelos no es complicado. Lo complicado será conseguir las modelos “adecuadas” para cada momento.

La calidad del portfolio de un fotógrafo va a ir pareja a la calidad de las modelos que pueda conseguir. Siempre se ha dicho que una mala elección, en un momento dado, puede arruinar un buen portfolio.

Sin embargo, hay que ser realistas. Siendo nuevo, sin poder enseñar trabajos pasados y sin los contactos adecuados, no vas a conseguir a una top delante de tu cámara. Ni siquiera a una buena modelo de Agencia.

Vamos a ver una serie de lugares donde podemos buscar a nuestras modelos y que nos servirán de fases de crecimiento profesional en nuestro trabajo con modelos:

1. Entorno cercano:

La mejor y más sencilla forma de iniciarse es con tu entorno más cercano: familiares, conocidos y amigos.

Una de las cosas que tiene aprender a manejar un fotógrafo es su vergüenza. Hay que adquirir destrezas para dirigir y manejar a una persona, la complicidad con una modelo para conseguir el resultado deseado.

Y si todavía se es un iniciado en la fotografía habrá muchas cosas que probar y experimentar.

Si no te has manejado en un estudio o con equipamiento fotográfico profesional (que no es necesario en este estadio inicial) todavía te costará más adaptarse en cuanto des el salto.

Tu pareja, una amiga, tu hija …. cualquier persona cercana será la mejor modelo que puedas conseguir. Quizás no sea tan guapa como esa modelo de portada de revista que te gustaría tener … ¿pero quién te ha dicho que todas las modelos tienen que ser guapas y esbeltas? Cada modelo tiene su espacio, y ahora te toca aprender a sacar lo mejor de las personas que tienes más cerca.

2. Modelos Amateur:

Hace algún tiempo hablamos del concepto de TFP. Una buena idea para experimentar y probar con modelos que se están iniciando en su carrera (aunque hay modelos más experimentadas y profesionales que también lo aceptarán).

Muchas modelos, aunque se estén iniciando, querrán ver tu trabajo previo. Si no tienes nada que enseñar seguro que será difícil que trabajen contigo. Por eso el paso “familiar/amistades” es importante.

Hace unos años era complicado el conseguir modelos amateur/semiprofesionales. Pero con la llegada de Internet tenemos muchos sitios disponibles para ellos.Muchos de estos sitios también permiten el alta como fotógrafo de forma que podamos darnos a conocer de forma sencilla.

Alguno de los portales de modelos más importantes de modelos que podemos encontrar en el extranjero son:

www.onemodelplace.com

Uno de los primeros sitios de la red que cuenta con una de las mayores bases de datos de modelos del mundo. Muy enfocado al mercado anglosajón, es vital para localizar modelos en USA y UK. Para mí ha sido imprescindible al buscar modelos en Europa.

Muchas modelos profesionales disponen de una ficha aquí.

www.modelmayhem.com

A pesar de su aspecto, poco destacable a nivel de diseño gráfico, Model Mayhem contiene una gran base de modelos europeas, con una buena representación española.

www.modelmanagement.com

Prácticamente un recién llegado pero que ha entrado con mucha fuerza en el sector. Orientado a modelos más profesionales busca crear un entorno de comunidad para el trabajo en el sector.

De forma más local en España podemos destacar:

www.fotopunto.com

Fotopunto es una de las web referentes para la localización de modelos (amateurs y profesionales) en España (aunque dispone de modelos en USA, Francia, UK e Italia)

Sus principales cualidades se encuentran en su potente motor de búsqueda y el sistema de opiniones que valora el trabajo realizado por las modelos.

www.nosolotop.com

De los sitios mostrados nosolotop es el más enfocado a las modelos amateur. No en vano su lema es “Porque no sólo las Top son modelos“.

Nosolotop ha conseguido crear una comunidad entorno a las modelos amateur complementado con un foro donde se puede establecer un contacto más cercano con fotógrafos y modelos de similares intereses.

www.fotoplatino.com

De los mismos creadores que nosolotop, fotoplatino posee una orientación más profesional con valoración de fichas y fotografías por parte de los usuarios. Tiene un formulario de búsqueda mejorado (frente al ofrecido por nosolotop) y sistemas de ranking de fotógrafos, modelos y fotografías.

3. Modelos profesionales:

El siguiente paso como fotógrafo es lanzarse al mundo de las modelos profesionales.

Aunque algunas pueden ser localizadas en los sitios comentados anteriormente, la mayoría se encuentran en las propias Agencias de Modelos.

Con la llegadas de las nuevas tecnologías muchas de estas agencias han puesto sus portfolios en Internet con lo que podremos realizar una preselección antes de contactar con la Agencia.

Existen algunas Agencias que te pueden mandar sus novedades por correo, otras mueven modelos por Europa y te contactan cuando van a estar en España y otras te seguirán requiriendo para ir a sus oficinas.

Es muy difícil trabajar con modelos de Agencia si no eres un fotógrafo con una trayectoria que mostrar y tienes el dinero suficiente. Son caras, muy caras.

Como en todo, existen diferentes niveles de agencias. No es lo mismo contactar con una agencia de tu ciudad, de poco renombre, que con la Agencia Elite.

Algunas de las más “asequibles” son las siguientes:

MD International Models Division
http://www.modelsdivision.es/

Chic Models
http://www.chicmodels.net

Exclusive Management
http://www.grupoexclusive.es

Fashion Face – Model agency & managenment
http://www.fashionface.com

Next – Model management
http://www.nextmodels.es

Traffic
http://www.trafficmodels.com

Recuerda que muchas modelos profesionales y agencias pueden estar interesadas en hacer un intercambio contigo si ven que tienes capacidad y algo nuevo que ofrecerles. Así que no tengas miedo a proponerlo.

4. Búsqueda en la calle:

Puede parecer un chiste pero no lo es. Alguna modelo famosa fue descubierta cuando paseaba por la playa o se encontraba tomando café en un Centro Comercial.

Una cara nueva, que llame tu atención, en una persona que pasea por la calle puede ser el próximo objetivo de tu cámara.

Si ya has pasado por las anteriores fases tendrás la suficiente seguridad para acercarte a ella, darle tu tarjeta y proponerle una sesión.

Una persona sin experiencia ni interés por el modelaje puede ser difícil de dirigir; pero quien sabe, igual encuentras a la modelo perfecta que estabas buscando.

No hay reglas escritas ni fases que deban seguirse en un orden. Lo mostrado no es más que una recomendación y todo dependerá de tus intereses como fotógrafo.

Para trabajos profesionales de moda seguramente recurrirás a la mejor modelo profesional que te puedas permitir. Sin embargo, para trabajos más personales, puede que te interese buscar esa modelo amateur que se acaba de dar de alta en uno de los portales mostrados anteriormente. Todo depende de la situación.

Alexey Iavanov y su mujer Julia Ivanova (maquilladora) mantienen Studioxil.

Se trata de un estudio ruso que genera mucho de su trabajo para iStockphoto.

Lo interesante es que mantienen un blog explicando cómo realizan sus creaciones. Tanto en lo que a configuración de luces se refiere como a los esquemas de maquillaje empleados.

Las explicaciones que acompañan a cada trabajo son muy detalladas, dando cuenta del equipamiento, modelos y configuraciones que utilizan.

Muy interesante me parece la combinación de la explicación fotográfica junto con la descripción de las técnicas de maquillaje aplicadas. Un buen maquillaje, en este ámbito fotográfico, es tanto o más importante que el propio fotógrafo.

Una de las mejores formas de aprender fotografía es experimentar. Y tan importante como experimentar es llevar un control de esos experimentos.
Usualmente en una salida fotográfica de naturaleza, por ejemplo, solemos disparar “a todo lo que se mueve” sin preocuparnos mucho de los parámetros configurados en nuestra cámara. Valores como la focal que hemos elegido, el valor ISO, balance de blancos, velocidad de apertura, número F, etc. los podemos ver como datos EXIF de nuestra fotografía. Repasar nuestras tomas con visores como Lightroom o Bridge, nos permite visualizar nuestras fotos mientras que vemos los datos EXIF correspondientes.
Comparando los diferentes resultados con los datos de las tomas podremos ir aprendiendo en qué circunstancias obtenemos mejores imágenes y conociendo más nuestra cámara.
Sin embargo, los datos EXIF no son siempre suficientes por sí mismos. Existen más parámetros que normalmente no se registran como EXIF (o que la mayoría de las cámaras no los contemplan).
Por ejemplo, sabemos si aquella foto tan nítida que hicimos … ¿fue en la que apenas respiramos al tomarl?, ¿en la que encendimos el estabilizador?,¿ en la que utilizamos trípode?. Y ese cielo tan magnífico, ¿fue donde utilizamos el polarizador?¿donde utilizamos el degradado neutro?
Cuando hacemos pocas tomas y las revisamos casi en el mismo día puede que nuestra memoria funcione. Pero cuando la salida es larga, tomamos muchas fotos y probamos muchas configuraciones … lo más probable es que al revisar las fotos no sepamos de qué forma realizamos exactamente esa foto “perfecta” que igual no volveremos a repetir.
Para este tipo de situaciones yo siempre llevo encima lo que denomino una Hoja de Control. Realmente es muy simple (se supone que estamos tomando fotos, no rellenando formularios complicados).

En la parte superior tengo información del contexto donde se está realizando la foto y después hay una tabla con la información que quiero recoger de la sesión. Como podéis ver en el ejemplo, la información que recojo suele ser:

• Control: ahora lo vemos con más detalle.
• Trípode, Bloque de Espejo, Disparador Remoto: con un SI/NO indica si utilicé esa característica
• Filtros: relaciona los filtros utilizados en la toma.
• Comentarios: permite recoger cualquier otro tipo de información.

¿Cómo funciona?
En primer lugar no voy rellenando la ficha toma a toma. Sería demasiado costoso.
La idea es rellenar una línea de la tabla cuando cambien las condiciones de la foto.

Supongamos que comienzo la sesión con el uso del Trípode. Relleno la primera línea con Trípode=SI y realizamos 5 fotos.
Ahora quitamos el trípode y hacemos 5 fotos más sin trípode. Tendría que añadir una nueva línea con Trípode=NO.
¿Y cómo sé cuando revise las fotos que he quitado el trípode? ¿Contando las fotos? No, utilizo lo que llamo una Marca, un Control.
Para mí un control es un determinado tipo de foto, que en mi caso es una foto de mis zapatos. Sí … como lo has oído. Si tengo 5 fotos de paisajes, luego una foto de mis zapatos y luego 5 más del mismo paisaje sé que las primeras 5 fotos corresponden a la primera línea de la tabla y las 5 siguientes a la segunda línea.
Todo aquel que revise mis originales de una sesión lo encontraría divertido. Muchas fotos, con unos zapatos intercalados, que me van indicando cuando he variado las condiciones de la toma.
Es un sistema que lo podemos complicar un poco. Así cuando quiero hacer una panorámica, por ejemplo, hago una foto de mi mano marcando un número 1. Hago las fotos de la panorámica, y luego una foto final con la mano marcando un 2.
Cuando quiero hacer un HDR, hago una primera foto con el puño cerrado y luego una última con el puño cerrado otra vez. Entre medio irán las fotos que conformarán el HDR.
El campo Control de la Tabla me está indicando en todo momento qué tipo de control estoy haciendo en la tabla: zapatos, panorámica, o HDR.
Como podéis ver se trata de un código personal, en una tabla totalmente personal (seguro que a alguien se le ocurre alguna idea mejor) pero que me permite tener un verdadero control de la sesión fotográfica. Comparando los datos EXIF y esta tabla siempre puedo saber exactamente cómo se hizo determinada foto, qué resultó mejor, saber porqué en ese cielo a esa hora me vino mejor este filtro y no otro, porqué en esas condiciones de luz (a pesar de la apertura) tuve que utilizar el trípode.
Os recomiendo que bien este sistema, o cualquier otro personalizado, no tardéis en ponerlo en práctica.

Cuando nos disponemos a fotografiar siempre tenemos dos forma de hacerlo: ser reactivos (tratar de capturar lo que vemos, sin más) o ser proactivos (intentando crear “algo” a partir de una toma reactiva o “elaborando” la escena).

No es mejor un tipo de fotografía que otra. Quizás el modo reactivo está más cerca del fotoperiodismo o la fotografía documental, mientras que la publicidad o el retrato se sirve más de lo proactivo.

Fotografía Reactiva:

Como decimos, se trata de capturar una escena sin más. Entendiendo como tal que no preparamos la situación, las luces, etc. No estamos pensando en ir a una determinada localización a una hora del día determinada intentando capturar algo.

Aquí la imagen directamente nos viene a la cámara. Lo único que hay que hacer es estar pendiente para capturar “el momento”.

La fotografía que vamos a utilizar para ilustrar este punto fue tomada en el año 2004, en la avenida principal de entrada a Niza, Le Promenade des Anglais. Aunque no era verano, el clima y las vacaciones en el país hacía que la ciudad estuviese plagada de turistas. El paseo frente a la playa no era ajeno a esto y cientos de personas paseaban, patinaban, iban en bici, etc. Prácticamente imposible disponer de un trozo del paseo para hacer una foto sin turistas.

Ibamos en coche y justo al parar en un semáforo, en medio del paseo, y girar la vista a la derecha, vi la siguiente imagen:

Tuve que pedir a mi acompañante que echase para atrás el asiento, bajar la ventanilla, coger una cámara compacta de Sony que llevaba en aquel momento (apenas 3 M, recordad que hablamos del 2004); la reflex de carrete iba en el maletero; y con sólo el tiempo que tardó en encenderse el semáforo cambió de color.

La buena educación francesa de no pitar al segundo de cambiar el color del semáforo, un modo automático de la cámara, y la suerte de no tener ningún turista por medio en ese preciso instante hizo el resto.

Se trata de una foto que tiene algunos errores técnicos de composición: ni seguimos tercios, no manejamos bien la altura del horizonte, no descentramos el sujeto … cosas que puede arreglar un reencuadre pero que quería mostraros en su formato original.

Una foto totalmente reactiva. Estar en el sitio y momento justo para realizar una toma que permita transmitir algo. ¿Quizás la soledad de ese hombre mayor frente al mar?

Sin más pretensiones, sin ningún procesado posterior … es una foto que siempre me ha gustado.

Fotografía proactiva:

En este segundo tipo de fotografía estamos creando la imagen. Estamos siendo parte del concepto y la acción de la creación. Tenemos que visualizar y elaborar la imagen en nuestro cerebro y proveernos de los medios necesarios para llevar a cabo la toma. Bien sea por la forma en la que hacemos la captura, bien por el procesado posterior que le daremos posteriormente a la imagen.

Como ejemplo, y siguiendo con la temática del mar, vamos a comentar una fotografía realizada el verano pasado y que ya fue publicada en el blog.

La idea surgía bajo la petición de un familiar, en este caso mi madre, que aficionada a la pintura, quería tener un cuadro de sus nietos más pequeños. No se buscaba la fotografía como resultado final, sino como un medio que sirviese de base para luego realizar la pintura.

Lo primero fue pensar en ello, en las diferentes posibilidades que podían darse. ¿Luz natural o artificial? ¿De frente o de espaldas? (importante de cara a la complejidad de la pintura) ¿En qué contexto? ¿Con qué ropa? ¿Haciendo algo o simplemente posando? Había que pensar en ello de cara a tener la “mejor idea”. Y con la complejidad añadida de que a mí no me bastaba con simplemente hacer una foto. Quería que la foto tuviese existencia propia frente a su traslado a una pintura.

Tras mucho pensar se empezaron a tomar decisiones:

• Buscar un estilo pictórico de por sí en las fotos. Para ello me fijé en unos cuadros de Sorolla:

• Las fotografías se realizarían en el mar. Teníamos que buscar la localización adecuada.
• Aunque los niños no iban a vestir de forma vaporosa como los cuadros sí que buscamos un estilo común para los mismos. Para que no pareciese que iban de uniforme quedamos en que todos fuesen de blanco, como si fuese un estilo ibizenco; pero todos eran libres de vestir como quisiesen dentro de ese color blanco.
• La fotografía se realizaría de espaldas. Lo interesante dentro del cuadro sería captar a cada uno por su silueta.
• La hora para hacer las fotos sería al atardecer. Cuando tuviésemos una iluminación cálida y uniforme en toda la escena, aunque el procesado posterior de la foto quitaría la dominante cálida para no dejarla “anaranjada”.

Mientras que esta lista de puntos se pensaron en el verano del 2007, las fotografías de la sesión no se realizaron hasta el verano del 2008. A veces, preparar el entorno cuesta demasiado.

Ya que debíamos tener el sol de frente a los niños, que estarían mirando a la playa, necesitábamos una playa donde el sol, al caer, hiciese justamente eso.

Por circunstancias de la vida conozco mucho la provincia de Cádiz. Y la playa que nos venía perfecta para ello era Costa Ballena.

A lo largo de los meses y días previos a la sesión el proceso fue más o menos como sigue:

• Visitar playas alternativas, cerca de Costa Ballena, en dirección a Rota que nos permitiese disponer de un “gran tiro”. Quería hacer la foto con teleobjetivo (necesitaba comprimir la toma), y no quería depender de bañistas ni de poca arena en la playa.
• Comprobar las tablas de mareas para ver cuándo dispondríamos de marea baja con la luz adecuada.
• Visitar la playa varias veces, buscado la luz de esa hora. Quedó fijada entre las 8 y las 9 de la tarde.
• Buscar el día donde teníamos esa luz, las previsiones meteorológicas no anunciaban lluvia ni nubes y la marea estuviese baja.
• Una semana antes de la toma y el día antes, visitar la playa y comprobar que efectivamente las condiciones que buscábamos se daban.

Ya sólo quedaba hacer la foto. Y lo más complicado, controlar a los niños.

Quien se dedique o intente hacer una foto a un grupo de niños comprobará cómo es prácticamente imposible que hagan lo que tú quieres. Hay que darles libertad …. decirles más o menos lo que quieres … y esperar a que hagan lo que esperas.

Hay que disparar y disparar ….

Hasta que, al final, obtuvimos la foto que queríamos (original RAW):

Podéis ver que tener a todos los niños de pie, mirando al mar, fue misión imposible. No hay mal que por bien no venga; al estar cada uno en “su mundo” terminó dándole más dinamismo a la escena.

Así quedó la foto que sirvió como modelo para la pintura. Lamento no poneros copia del resultado …. que se queda en la intimidad familiar.

Lo que sí … finalmente terminé dándole un procesado a la fotografía para hacerla más “sorolla”. Eliminar dominantes, efecto difusión, procesado de niveles, etc.

Finalmente, con el marco, luminosidad y el nivel del horizonte corregido, en versión grande ….. cuelga de una pared de mi casa: