Mundo Paralelo

Una de las mejores formas de aprender fotografía es experimentar. Y tan importante como experimentar es llevar un control de esos experimentos.
Usualmente en una salida fotográfica de naturaleza, por ejemplo, solemos disparar “a todo lo que se mueve” sin preocuparnos mucho de los parámetros configurados en nuestra cámara. Valores como la focal que hemos elegido, el valor ISO, balance de blancos, velocidad de apertura, número F, etc. los podemos ver como datos EXIF de nuestra fotografía. Repasar nuestras tomas con visores como Lightroom o Bridge, nos permite visualizar nuestras fotos mientras que vemos los datos EXIF correspondientes.
Comparando los diferentes resultados con los datos de las tomas podremos ir aprendiendo en qué circunstancias obtenemos mejores imágenes y conociendo más nuestra cámara.
Sin embargo, los datos EXIF no son siempre suficientes por sí mismos. Existen más parámetros que normalmente no se registran como EXIF (o que la mayoría de las cámaras no los contemplan).
Por ejemplo, sabemos si aquella foto tan nítida que hicimos … ¿fue en la que apenas respiramos al tomarl?, ¿en la que encendimos el estabilizador?,¿ en la que utilizamos trípode?. Y ese cielo tan magnífico, ¿fue donde utilizamos el polarizador?¿donde utilizamos el degradado neutro?
Cuando hacemos pocas tomas y las revisamos casi en el mismo día puede que nuestra memoria funcione. Pero cuando la salida es larga, tomamos muchas fotos y probamos muchas configuraciones … lo más probable es que al revisar las fotos no sepamos de qué forma realizamos exactamente esa foto “perfecta” que igual no volveremos a repetir.
Para este tipo de situaciones yo siempre llevo encima lo que denomino una Hoja de Control. Realmente es muy simple (se supone que estamos tomando fotos, no rellenando formularios complicados).

En la parte superior tengo información del contexto donde se está realizando la foto y después hay una tabla con la información que quiero recoger de la sesión. Como podéis ver en el ejemplo, la información que recojo suele ser:

• Control: ahora lo vemos con más detalle.
• Trípode, Bloque de Espejo, Disparador Remoto: con un SI/NO indica si utilicé esa característica
• Filtros: relaciona los filtros utilizados en la toma.
• Comentarios: permite recoger cualquier otro tipo de información.

¿Cómo funciona?
En primer lugar no voy rellenando la ficha toma a toma. Sería demasiado costoso.
La idea es rellenar una línea de la tabla cuando cambien las condiciones de la foto.

Supongamos que comienzo la sesión con el uso del Trípode. Relleno la primera línea con Trípode=SI y realizamos 5 fotos.
Ahora quitamos el trípode y hacemos 5 fotos más sin trípode. Tendría que añadir una nueva línea con Trípode=NO.
¿Y cómo sé cuando revise las fotos que he quitado el trípode? ¿Contando las fotos? No, utilizo lo que llamo una Marca, un Control.
Para mí un control es un determinado tipo de foto, que en mi caso es una foto de mis zapatos. Sí … como lo has oído. Si tengo 5 fotos de paisajes, luego una foto de mis zapatos y luego 5 más del mismo paisaje sé que las primeras 5 fotos corresponden a la primera línea de la tabla y las 5 siguientes a la segunda línea.
Todo aquel que revise mis originales de una sesión lo encontraría divertido. Muchas fotos, con unos zapatos intercalados, que me van indicando cuando he variado las condiciones de la toma.
Es un sistema que lo podemos complicar un poco. Así cuando quiero hacer una panorámica, por ejemplo, hago una foto de mi mano marcando un número 1. Hago las fotos de la panorámica, y luego una foto final con la mano marcando un 2.
Cuando quiero hacer un HDR, hago una primera foto con el puño cerrado y luego una última con el puño cerrado otra vez. Entre medio irán las fotos que conformarán el HDR.
El campo Control de la Tabla me está indicando en todo momento qué tipo de control estoy haciendo en la tabla: zapatos, panorámica, o HDR.
Como podéis ver se trata de un código personal, en una tabla totalmente personal (seguro que a alguien se le ocurre alguna idea mejor) pero que me permite tener un verdadero control de la sesión fotográfica. Comparando los datos EXIF y esta tabla siempre puedo saber exactamente cómo se hizo determinada foto, qué resultó mejor, saber porqué en ese cielo a esa hora me vino mejor este filtro y no otro, porqué en esas condiciones de luz (a pesar de la apertura) tuve que utilizar el trípode.
Os recomiendo que bien este sistema, o cualquier otro personalizado, no tardéis en ponerlo en práctica.

Cuando nos disponemos a fotografiar siempre tenemos dos forma de hacerlo: ser reactivos (tratar de capturar lo que vemos, sin más) o ser proactivos (intentando crear “algo” a partir de una toma reactiva o “elaborando” la escena).

No es mejor un tipo de fotografía que otra. Quizás el modo reactivo está más cerca del fotoperiodismo o la fotografía documental, mientras que la publicidad o el retrato se sirve más de lo proactivo.

Fotografía Reactiva:

Como decimos, se trata de capturar una escena sin más. Entendiendo como tal que no preparamos la situación, las luces, etc. No estamos pensando en ir a una determinada localización a una hora del día determinada intentando capturar algo.

Aquí la imagen directamente nos viene a la cámara. Lo único que hay que hacer es estar pendiente para capturar “el momento”.

La fotografía que vamos a utilizar para ilustrar este punto fue tomada en el año 2004, en la avenida principal de entrada a Niza, Le Promenade des Anglais. Aunque no era verano, el clima y las vacaciones en el país hacía que la ciudad estuviese plagada de turistas. El paseo frente a la playa no era ajeno a esto y cientos de personas paseaban, patinaban, iban en bici, etc. Prácticamente imposible disponer de un trozo del paseo para hacer una foto sin turistas.

Ibamos en coche y justo al parar en un semáforo, en medio del paseo, y girar la vista a la derecha, vi la siguiente imagen:

Tuve que pedir a mi acompañante que echase para atrás el asiento, bajar la ventanilla, coger una cámara compacta de Sony que llevaba en aquel momento (apenas 3 M, recordad que hablamos del 2004); la reflex de carrete iba en el maletero; y con sólo el tiempo que tardó en encenderse el semáforo cambió de color.

La buena educación francesa de no pitar al segundo de cambiar el color del semáforo, un modo automático de la cámara, y la suerte de no tener ningún turista por medio en ese preciso instante hizo el resto.

Se trata de una foto que tiene algunos errores técnicos de composición: ni seguimos tercios, no manejamos bien la altura del horizonte, no descentramos el sujeto … cosas que puede arreglar un reencuadre pero que quería mostraros en su formato original.

Una foto totalmente reactiva. Estar en el sitio y momento justo para realizar una toma que permita transmitir algo. ¿Quizás la soledad de ese hombre mayor frente al mar?

Sin más pretensiones, sin ningún procesado posterior … es una foto que siempre me ha gustado.

Fotografía proactiva:

En este segundo tipo de fotografía estamos creando la imagen. Estamos siendo parte del concepto y la acción de la creación. Tenemos que visualizar y elaborar la imagen en nuestro cerebro y proveernos de los medios necesarios para llevar a cabo la toma. Bien sea por la forma en la que hacemos la captura, bien por el procesado posterior que le daremos posteriormente a la imagen.

Como ejemplo, y siguiendo con la temática del mar, vamos a comentar una fotografía realizada el verano pasado y que ya fue publicada en el blog.

La idea surgía bajo la petición de un familiar, en este caso mi madre, que aficionada a la pintura, quería tener un cuadro de sus nietos más pequeños. No se buscaba la fotografía como resultado final, sino como un medio que sirviese de base para luego realizar la pintura.

Lo primero fue pensar en ello, en las diferentes posibilidades que podían darse. ¿Luz natural o artificial? ¿De frente o de espaldas? (importante de cara a la complejidad de la pintura) ¿En qué contexto? ¿Con qué ropa? ¿Haciendo algo o simplemente posando? Había que pensar en ello de cara a tener la “mejor idea”. Y con la complejidad añadida de que a mí no me bastaba con simplemente hacer una foto. Quería que la foto tuviese existencia propia frente a su traslado a una pintura.

Tras mucho pensar se empezaron a tomar decisiones:

• Buscar un estilo pictórico de por sí en las fotos. Para ello me fijé en unos cuadros de Sorolla:

• Las fotografías se realizarían en el mar. Teníamos que buscar la localización adecuada.
• Aunque los niños no iban a vestir de forma vaporosa como los cuadros sí que buscamos un estilo común para los mismos. Para que no pareciese que iban de uniforme quedamos en que todos fuesen de blanco, como si fuese un estilo ibizenco; pero todos eran libres de vestir como quisiesen dentro de ese color blanco.
• La fotografía se realizaría de espaldas. Lo interesante dentro del cuadro sería captar a cada uno por su silueta.
• La hora para hacer las fotos sería al atardecer. Cuando tuviésemos una iluminación cálida y uniforme en toda la escena, aunque el procesado posterior de la foto quitaría la dominante cálida para no dejarla “anaranjada”.

Mientras que esta lista de puntos se pensaron en el verano del 2007, las fotografías de la sesión no se realizaron hasta el verano del 2008. A veces, preparar el entorno cuesta demasiado.

Ya que debíamos tener el sol de frente a los niños, que estarían mirando a la playa, necesitábamos una playa donde el sol, al caer, hiciese justamente eso.

Por circunstancias de la vida conozco mucho la provincia de Cádiz. Y la playa que nos venía perfecta para ello era Costa Ballena.

A lo largo de los meses y días previos a la sesión el proceso fue más o menos como sigue:

• Visitar playas alternativas, cerca de Costa Ballena, en dirección a Rota que nos permitiese disponer de un “gran tiro”. Quería hacer la foto con teleobjetivo (necesitaba comprimir la toma), y no quería depender de bañistas ni de poca arena en la playa.
• Comprobar las tablas de mareas para ver cuándo dispondríamos de marea baja con la luz adecuada.
• Visitar la playa varias veces, buscado la luz de esa hora. Quedó fijada entre las 8 y las 9 de la tarde.
• Buscar el día donde teníamos esa luz, las previsiones meteorológicas no anunciaban lluvia ni nubes y la marea estuviese baja.
• Una semana antes de la toma y el día antes, visitar la playa y comprobar que efectivamente las condiciones que buscábamos se daban.

Ya sólo quedaba hacer la foto. Y lo más complicado, controlar a los niños.

Quien se dedique o intente hacer una foto a un grupo de niños comprobará cómo es prácticamente imposible que hagan lo que tú quieres. Hay que darles libertad …. decirles más o menos lo que quieres … y esperar a que hagan lo que esperas.

Hay que disparar y disparar ….

Hasta que, al final, obtuvimos la foto que queríamos (original RAW):

Podéis ver que tener a todos los niños de pie, mirando al mar, fue misión imposible. No hay mal que por bien no venga; al estar cada uno en “su mundo” terminó dándole más dinamismo a la escena.

Así quedó la foto que sirvió como modelo para la pintura. Lamento no poneros copia del resultado …. que se queda en la intimidad familiar.

Lo que sí … finalmente terminé dándole un procesado a la fotografía para hacerla más “sorolla”. Eliminar dominantes, efecto difusión, procesado de niveles, etc.

Finalmente, con el marco, luminosidad y el nivel del horizonte corregido, en versión grande ….. cuelga de una pared de mi casa:

Siempre que pensamos en la protección de nuestras fotografías nos vienen a la mente temas como los derechos de autor, las marcas de agua o las copias de seguridad.

Sin embargo, existe un tema al que no se le suele prestar a la atención necesaria. La protección de las fotografías frente a accesos no autorizados.

Con la cantidad de información digital que generamos cada día, estamos llenando DVDs y discos duros de forma continua. Usualmente tendremos varios discos duros en casa. Puede que tengamos que transportarlos de un sitio a otro, e incluso puede que alguno lo tengamos conectado de forma permanente a nuestro PC (que a su vez está conectado de forma permanente a Internet).

Sea como sea, lo cierto es que el acceso a nuestras fotos muchas veces puede estar comprometido. Nos pueden robar un disco duro, se puede acceder por Internet a un disco local, etc.

Puede que no seas muy celoso de tu trabajo, pero dependiendo de las fotografías, de los contratos que tengas firmados con tu cliente, será necesario disponer de sistemas que nos garanticen que los datos no se encuentran sólo almacenados, sino que además lo hacen de forma segura.

En mi caso utilizo un software open source gratuito llamado truecrypt. Dispone de versiones para Windows XP, Windows Vista, Mac OS X y Linux. Es sencillo de utilizar, transparente en su utilización, fiable y puede que uno de los sistemas de cifrado más seguros disponibles actualmente.

Vamos a ver, paso a paso, cómo utilizarlo en su versión de Mac OS X (será igual para el resto de las versiones).

Descárgate la versión correspondiente a su sistema operativo y ejecuta el programa de instalación. Después de reiniciar tu sistema estará listo para funcionar.

Pulsando en el icono correspondiente tenemos acceso a la pantalla principal del programa:

Tenemos la opción de montar un volumen/dispositivo cifrado o crear un nuevo, que será nuestro caso si es la primera vez que estamos utilizando Truecrypt. Seleccionamos entonces Create Volume:

Un volumen standard es el usual con el que trabajaremos, un volumen hidden (oculto) es lo que yo llamo el modo paranoico. Una vez que creamos un volumen, la forma de acceder a él será mediante la utilización de una clave. En un volumen hidden realmente crearemos dos volúmenes con dos claves. No existe forma (para un atacante) de saber si se enfrenta a un volumen normal o a uno oculto, con lo que con una clave podemos guardar cosas en una parte del volumen (las fotos por ejemplo) y con la otra en un apartado distinto (documentos sin importancia). Así si nos ponen una pistola en la cabeza y nos obligan a revelar la clave (ya se entiende lo del modo paranoico) podemos dar la clave que accede a la parte del volumen sin importancia dejando nuestros datos valiosos a buen recaudo. Aunque suene a muy paranoico, lo cierto es que hay países donde el cifrado o el no dar la clave de acceso a las fuerzas de seguridad es delito. Estos chicos de Truecrypt piensan en todo …

Vamos a crear un volumen estándar:

Tenemos ahora dos opciones para crear nuestro volumen: en un fichero o en un dispositivo. En el primer caso crearemos un contenedor que será un fichero del sistema operativo (tan grande como queramos), por ejemplo ZONASEGURA.TC.  En el segundo caso el contenedor será todo un disco, llave USB o partición dentro de un disco.

Personalmente suelo utilizar para cifrar un disco completo la opción de dispositivo (cifro el disco completo). Y cuando tengo que trasladar datos, utilizo más la opción de fichero, así copio el fichero en un disco extraible o memoria USB compartiendo el espacio con otros datos.

Vamos a elegir la opción de fichero para continuar el tutorial. Si lo hacéis con la opción de dispositivo tened cuidado de no borrar una partición que contenga datos y mirad bien cómo lo haceis (no me hago responsable de experimentos

Hemos creado un fichero llamado CONTENEDOR.TC y lo hemos situado en el escritorio. Ahora especificamos el tamaño que tendrá nuestro contenedor (2 GB por ejemplo):

Es importante tener en cuenta que no podremos redimensionar este tamaño después, con lo que debemos elegirlo bien.

El siguiente y muy importante paso es seleccionar la combinación de algoritmo de encriptación y hash que tendrá nuestro contendedor. El elegir uno u otro depende del nivel de seguridad que vamos a dar a nuestro espacio. Cuando mayor nivel de seguridad, mayor tiempo de proceso, mayor uso de la CPU y más lentitud de operación con el contenedor.

La realidad es que los ordenadores de hoy son bastante potentes. Así que yo, fiel a mi modo paranoico, suelo utilizar:

Ahora es momento de elegir la clave de acceso a nuestro contenedor cifrado:

Tenemos dos opciones. Teclear una clave (cuanto más larga mejor). O utilizar un fichero (que normalmente ya es grande de por sí) para que actué como clave. Esta ultima opción es la mas segura, pero dependeremos siempre de tener a nuestra mano el fichero de clave en cuestión. Cada uno decide.

El siguiente paso será seleccionar el formato de nuestro contenedor y proceder al mismo. Aquí es donde nos encontramos con las diferencias de producto dependiendo de si estamos en Mac (sólo podemos utilizar FAT) o Windows (donde podremos utilizar NTFS):

Antes de proceder al formato nos encontraremos con una pantalla con una serie de caracteres en continuo movimiento (el Random Pool):

Se trata de un tema técnico de generación de semillas para cifrado. Lo único que tenemos que saber es que cuanto mas movamos el ratón, y mas tiempo lo estemos haciendo, mas seguro (por aleatoria) sera nuestro contenedor.

Por último se procede al formato, que veremos tarda un tiempo en lo que se genera el contenedor:

Al finalizar el proceso tendremos un fichero llamado CONTENEDOR.TC (con un tamaño de 2 GB) que será nuestro contenedor seguro. En el caso de haber utilizado un dispositivo dispondremos de la partición, disco o espacio correspondiente que hayamos elegido.

De vuelta a nuestra pantalla inicial, ahora en vez de crear un nuevo volumen, podremos montar este volumen contenedor que hemos creado (mediante Select File al ser un contenedor de tipo fichero):

Seleccionamos en la parte superior un slot (esto en versión MAC, en Windows será una letra de unidad de disco libre) y pinchamos en Mount:

Tendremos que introducir la clave que nos dará acceso al volumen cifrado, y quedará montado:

Una vez montado el funcionamiento del servicio de cifrado es transparente. En el caso de Windows tendremos una nueva unidad de disco disponible (de 2 GB de capacidad) donde todo lo que copiemos dentro quedará cifrado. Y viceversa, al copiar algo de dentro de esa unidad hacia a fuera, se “descifrará al vuelo” y quedará de forma “normal” en nuestro disco duro.

En el caso de MAC igualmente tendremos un nuevo volumen (NO NAME):

donde guardar de forma segura nuestra información.

Cuando queramos cerrar el acceso a este volumen cifrado simplemente tendremos (dentro de Truecrypt) que seleccionarlo y pinchar en Dismount. Si apagamos el ordenador el volumen se desmontará solo.

Las posibilidades de uso que tenemos son muchas (os recomiendo leer el manual), podemos cifrar un ordenador completo (caso de Windows), llevarnos una USB con el sistema de cifrado instalado para cuando utilizamos un ordenador sin Truecrypt instalado, podemos montar varias unidades de cifrado a la vez (mezclando de tipo fichero y dispositivo), etc.

Un sistema virtualmente inexpugnable para nuestras fotografías e información.

En el anterior capítulo vimos cómo completar nuestro kit de fotografía de estudio con los componentes que necesitamos para disponer de un verdadero equipamiento de trabajo.

En esta nueva entrega veremos cómo utilizar todo este material.

La parte más misteriosa de la fotografía de estudio se refleja en cómo colocar y medir las luces de nuestra escena para hacer una toma perfecta. Además tenemos que añadir la elección de un objetivo adecuado, un/una modelo profesional, estilismo, maquillaje, etc . Si sabemos cómo elegir todo perfectamente sería muy difícil fallar, ¿no?

No vamos a complicarnos tanto. Hay multitud de libros, enlaces y tutoriales por Internet. Además nada mejor que la experimentación y la prueba práctica. Así que seguiremos con nuestro lenguaje básico y sencillo (del tipo  “esto es así porque lo digo yo“) que puede dar buenos resultados para comenzar.

Este podría ser un flujo de trabajo en estudio:

1.    Montar el estudio.
Bien en el salón de nuestra casa, en un garaje o en un estudio profesional, lo primero que tenemos que hacer es preparar nuestra zona de trabajo. Lo cual consiste en colocar el fondo que deseamos en nuestra toma (os recomiendo blanco o negro para empezar), montar los equipos de iluminación (con sus paraguas, difusores, etc.), reflectores, objetos de apoyo (columnas, jarrones, árboles, coches o nada), limpiar el suelo, paredes, cartulinas, etc. de toda suciedad y ambientarlo.
Por ambientarlo se considera que, si por ejemplo vamos a fotografiar a un/una modelo, y hace mucho frío, tener la calefacción encendida para que se vaya calentando la zona; o poner música que siempre ayuda.

2.    Situar las luces.
De forma más profesional a esto se le llama “seleccionar nuestro esquema de iluminación”. Por ahora os daré un esquema “estándar” que funciona bien en todas circunstancias, y que para empezar viene fenomenal. Sobre todo, porque al inicio tendremos pocos flashes y/o equipamiento adicional.

Tendremos:

• Una luz directa al fondo que se encargará de iluminarlo. Dependiendo del color del fondo obtendremos efectos curiosos. Un blanco iluminado como en las revistas, un tono grisáceo si damos menos potencia de luz, etc.
• Una luz a 45/45 (en cristiano, que la luz ilumine con un ángulo de 45 grados) del/ de la modelo para su iluminación difusa. Deberemos montar un difusor o paraguas en nuestra unidad de flash. No nos vamos a meter aquí con luz dura/difusa, sino que vamos a lo sencillo y efectivo.

Nuestro esquema de iluminación quedaría como sigue:

Es importante que las luces estén tan cerca como se indican. Los flashes a distancia no iluminan;-)

3.    Situamos al modelo
En la zona que hayamos definido para nuestro/a modelo ya podemos situarlo (es importante separarlo del fondo para evitar sombras). Muchas unidades de flash tiene dos tipos de luz (de modelado y la propia de flash). Si encendemos la luz de modelado podremos ver exactamente qué iluminará la luz del flash cuando se dispare. Nos sirve como guía y ayuda para dirigir la luz.
Lo que no hay que confundir nunca es esta luz de modelado con los que se llaman flashes de luz contínua. La luz de modelado es contínua, pero no es un flash contínuo. En estos últimos tendremos mucha más potencia y calidad de luz.

4.    Ajustes de cámara
Estamos en un estudio, con iluminación artificial y controlado. Así que formato RAW como vimos en su día, balance de blancos automático (¿cómo?, se dispara en RAW así que no tendrás que preocuparte), Modo Manual, ISO 100, Velocidad de Obturación 1/150 y apertura … ahí está el quid de la cuestión.
En principio el único dato que no has de tomar como cierto de lo que te he contado es la velocidad del obturador 1/150. Tendrás que poner lo que diga en tu cámara que es la velocidad de sincronización de flash. Es algo técnico en lo que no vamos a entrar aquí pero sólo decirte que si no pones la correcta las fotos te saldrán mal. Puede que tengas la mitad de la foto iluminada y la otra oscura. Prueba valores de entre 150 y 250 si no lo encuentras en tu manual. O busca en cualquier foro de Internet el modelo de tu cámara que seguro que alguien te ayuda con el valor adecuado.

Terminado.

Eh, ¿no falta algo? Pues sí, a parte de montarle el disparador de infrarrojo del que hablamos en la primera parte, ahora veremos qué pasa con la apertura.
¿y lo del objetivo? Pues esto es un poco mito de la fotografía. Alguien te dirá que mejor un telecorto, mejor que pongas un 70 u 80mm, mejor un 50mm. Es cierto que los zooms te permitirán tener proporciones más naturales en un modelo que un gran angular que lo deforme. Pero como no sé las dimensiones del salón de tu casa, pues no te puedo recomendar algo específico. O sí, pon lo que te permita separarte más del modelo pegando la espalda contra la pared de tu salón.

5.    Ajuste de unidades de flash
En las unidades de flash lo que solemos regular es la potencia del disparo. Dependiendo de los Vatios de potencia de la unidad tendremos un “potenciómetro” (algún tipo de mando regulable en tu unidad) con valores como 2,4, 10 … que indican la potencia de disparo. No te puedo decir que pongas un 4, ya que un 4 en algunos flashes apenas iluminará y en otras será como si hicieses una foto a Dios en el cielo.
Aquí lo mejor es ensayo y error, la primera vez, ya que luego ya sabrás lo que da de sí tu unidad. Aunque podemos ayudarnos de nuestro maravilloso fotómetro.
El fotómetro que hemos comprado lo hemos de poner pegado a nuestra modelo y en dirección a donde tendremos nuestra cámara. Lo que queremos es medir la luz que habrá en esa zona cuando nuestra cámara apunte hacia ella.

Ahora debería venir todo un tratado de iluminación y empleo del fotómetro.  Es lo que la gente normal hace cuando se apunta a una famosa escuela de fotografía: cómo medir la luz, compensar, fórmulas matemáticas, etc.
Para nosotros es más sencillo. Ponemos el fotómetro en modo flash, 100 ISO y los 1/125 (o lo que sea para ti) de velocidad de sincronización. Pulsamos su botón esperando el destello del flash. Y disparamos nuestro infrarrojo para que todo se ilumine.
Ahora nuestro fotómetro nos proporcionará el valor de apertura que necesitaremos poner en nuestra cámara para obtener una buena exposición. De aquí se saca este valor, ¿ves como merece la pena esperar?.
Pero en todo esto hay un pequeño truco. Valores entre 8 y 11 son los que hacen valer a nuestros objetivos (normalmente) y los que proporcionan mayor nitidez. Si no estás siendo creativo difuminando con aperturas como 1.8 lo que tienes que hacer es regular la potencia de tus flashes, acercarlos o alejarlos de la modelo, hasta que veas un 8 o un 11 en el fotómetro. A veces un exceso de luz puede estar bien ya que se lleva mucho en publicidad, pero no te pases.
Y siempre con atención a cómo se ilumina la modelo. A ver si con tanto mover te encuentras con que iluminas el pelo y la cara la dejas a oscuras. Por eso antes os proponía un esquema sencillo que no suele fallar.

6.    Disparar.
Pues ya podemos movernos a nuestra zona de disparo y tomar la foto.
Hay que tener cuidado de que si le decimos a nuestro modelo que se mueva, debe hacerlo siempre en la misma zona. Si echa para atrás la cabeza, 30 cm., puede que se falle todo la iluminación y que tengamos que reorientar luces y volver a tener que medir.

Con un poco de práctica podrás hacer estos ajustes de potencia a mano sin tener que volver a coger el fotómetro.
Y ten cuidado de no sacar las unidades de flash en tus tomas. Estarán muy cerca de la modelo, con lo que tendrás que buscar un ángulo desde no se vean, o borrarlas luego con Photoshop.

¿Qué vamos a obtener si seguimos este flujo? Algo parecido a esto:

Esto es lo básico para disparar en un estudio. Ahora puedes buscar otros esquemas de iluminación en Internet y leerte este estupendo artículo de fotopunto para aprender más sobre el tema.
En la última entrega de este curso veremos la forma de procesar estas fotografías con unos ejemplos.

Este año los Reyes Magos se han portado muy bien con algunos amigos que desde entonces no hacen más que pedirme un tutorial para comenzar un estudio casero con los maravillosos kits fotográficos que han recibido. Y de entre todos ellos se lo dedico a Mariano. Mis fuentes de información me han hablado de esa buhardilla a la espera de convertirse en el próximo Studio 54 (ya sé que es el nombre de una discoteca, pero suena bien;-)).
Existe muy buena documentación en Internet acerca de la fotografía de estudio. Hace poco en fotopunto publicaron un extenso reportaje sobre diferentes esquemas de iluminación para retrato. El problema de estos tutoriales es que suponen que ya te manejas con el equipamiento y que tienes los conocimientos necesarios para empezar.
Como eso no suele ser así, aquí van estas breves líneas con lo que siempre quisiste saber de la fotografía en estudio y nunca te atreviste a preguntar.

Equipamiento inicial:
La mayoría de los kits que venden para iniciarse en la fotografía de estudio, aunque bastante completos, siguen necesitando de algunos añadidos básicos para comenzar a trabajar.
Muchos de estos kits suelen venir con un par cabezas de flash, algún tipo de paraguas, snoots (conos),geles,  difusores, unos trípodes o soportes de sujeción para las unidades de flash, algún tipo de cableado, etc. Todo en una bonita bolsa de transporte.

La mala noticia después de ver algo tan magnífico es que no lo tienes todo. Veamos qué más cosas nos hacen falta:

Disparador de las Unidades de Flash:
De alguna forma tendremos que poder disparar, desde nuestra cámara, nuestro nuevo maravilloso equipo de iluminación. Básicamente tenemos cuatro formas de hacerlo:

• Cable: normalmente la forma más sencilla y barata. Bien nuestra cámara tendrá una salida para este tipo de cable disparador, o bien podremos incorporar una zapata a nuestra unidad de flash (y a nuestra cámara) si fuese necesario, para poder hacerlo. Estos conectores parecen los jack de música (aunque no te equivoques, no son lo mismo). Los hay grandes, pequeños, pero no te preocupes mucho porque  existen adaptadores.Todo un mundo al que cualquier dependiente de tienda fotográfica podrá darte respuesta. Personalmente lo desaconsejo. Estar pendiente de un cable, que si llega a la unidad o es demasiado corto, que qué pasa si tienes más de una unidad de flash (aquello puede parecer la red de spiderman en el suelo del estudio), que si se enreda (la de unidades de flash que han terminado sus días cayendo estrepitosamente al suelo). En fin, ni se te pase por la cabeza comprarte un cable.
• Sincronización de destello: muchos flashes pueden configurarse para que disparen su luz cuando “vean otra similar”. Así al disparar el flash de tu cámara, las propias unidades de flash del estudio dispararán su luz. Tampoco te lo aconsejo. Puede que tu flash sea muy malo (si tu kit de estudio es muy barato seguro lo será), con lo que la sincronía con el disparo de tu cámara puede dejar mucho que desear. Pero si la cosa funciona al final vas a tener en tu estudio dos unidades disparando, por ejemplo, más tu propia luz de cámara sin control. Un collage perfecto para el desastre.,
• Unidades de control remoto por radiofrecuencia: empezamos ya a hablar de cosas interesante. A no ser que dispongas de un equipamiento muy caro, que llevará el sistema de radiofrecuencia integrado, tendrás que comprar un adaptador para tu cámara y otros para tus unidades de flash. Esta opción la suelen utilizar mucho los amantes de strobist y de sus unidades portátiles de flash, pero con flashes de estudio tenemos alternativas más baratas y “compatibles”. Eso sí, si quieres quedar como lo más de lo más en fotografía cómprate un equipamiento de estos, te pueden costar más que tu kit de iniciación.
• Disparador de infrarrojo: y llegamos a la opción “perfecta” para empezar…. y continuar. Si os acordáis, la opción segunda (la sincronización por destello) tenía muy buena pinta si no fuese por nuestra propia luz de flash. ¿Y si en vez de disparar nuestro flash con luz visible lo hacemos con luz infrarroja? Pues que no veremos la luz de nuestro disparo pero sí conseguiremos disparar nuestras unidades remotas (que sí que ven esta luz). Para ello, las unidades de flash tienen que ser capaces de detectar este tipo de destello. La mayoría de los kits que se venden en el mercado tienen esta característica, aunque sean muy baratos; aunque no estaría mal que a la hora de comprarlos lo verificases con el suministrador.

Estos disparadores los puedes encontrar rondando los 60 euros, y tienen el siguiente aspecto:

Su uso es muy sencillo. Se colocan como si fuesen la unidad de flash de tu cámara. Aquí podemos ver uno montado:

Suelen tener sólo dos botones: encendido/apagado y test (para comprobar su funcionamiento de forma manual).

En cuanto pulsemos el botón de test dentro de nuestro estudio, si nuestras unidades de flash remoto están encendidas, veremos cómo automáticamente se disparan (todas ellas). Genial!!
Aunque recuerda que hablamos de infrarrojos, no de rayos x; si disparas a escondidas no funcionará.

Fotómetro / Flashimetro:
En un estudio no te servirá trabajar con el fotómetro de tu cámara. Primero porque no verá nada hasta que se disparen los flashes. Segundo porque vas a tener mucho ensayo y error (a pesar de que te ayudes con el histograma) para obtener un buen resultado.
Cuando lleves un tiempo con tu estudio, te conozcas la potencia de tus flashes al dedillo, y te manejes con todos los esquemas de luz posibles … podrás vacilar a tus amigos sin emplear más que el “ojo de buen cubero”.
Lo que necesitas, mientras tanto, se llama fotómetro (o flashímetro cuando exclusivamente se miden destellos de flash). Yo prefiero un fotómetro que mida flash (y más cosas) ya que vale para … más cosas.
El mundo de los fotómetros y su uso daría para una enciclopedia. Así que confía en mí. Para un uso amateur/semiprofesional no necesitas el superfotómetro último modelo. La mitad de las funciones que tenga no las vas a utilizar, y la otra mitad no la vas a entender.
Te recomiendo un modelo como el Sekonic L-308 S.

Más adelante veremos cómo funciona.

Fondos:
Normalmente los kits de estudio no suelen venir con algo fundamental, los fondos.
La mayoría de los iniciados cuelgan un par de sábanas por detrás del/la modelo, bien estiradita para que no queden arrugas y a disparar. Bueno, a no ser que sepas muy bien cómo iluminar y trabajar un fondo, una sábana es una sábana. Y una pared (con gotelé) es una pared con gotelé.
Busca una pared lisa bien pintada o hazte con un fondo de estudio en condiciones. A no ser que busques fondos naturales de tu apartamento que te podrían servir.
Muy buenas fotos se arruinan por un mal fondo.

En la próxima entrega veremos cómo utilizar estos elementos en nuestro estudio.

La gente de Smashing Magazine ha recopilado una serie de tutoriales de retoque fotográfico que os animo a visitar. Algunos son magníficos.

Jesús Rodríguez nos presenta una versión renovada de su Curso de Fotografía Digital.

Thewebfoto.com es un curso de fotografía, que nació en 2001 como una página HTML estática. El paso del tiempo hizo que tanto el diseño como algunos de sus contenidos quedaran algo anticuados, así que tras reescribirlo y rehacer el diseño se estrena una nueva versión.

Son muchas las novedades. Tanto el diseño como los contenidos son mucho más limpios y sencillos. Las fotos de ejemplo son más numerosas y existe la posibilidad de descargar el contenido completo del curso en PDF, algo que muchos solicitaban en la antigua versión.

Escrito en un lenguaje sencillo y cercano, presenta poco a poco los conocimientos básicos necesarios para desenvolverse en el mundo digital. Además, dispondremos de diagramas y pequeños ficheros flash para la explicación de ciertas accione que hace más didáctico el aprendizaje.

Una magnífica iniciativa para saber un poco más de fotografía.

Fotografiar la luna es un proyecto fotográfico muy sencillo aunque los primeros resultados suelan ser desastrosos. La luna está lejos, es pequeña y brilla mucho sobre un fondo negro. Si a ello le añadimos la luminosidad de la ciudad tenemos el cóctel perfecto para que nuestro proyecto resulte fallido.

Para iniciar este trabajo lo primero que tenemos que hacer es apartarnos de la ciudad tanto como podamos. Tendremos que buscar un lugar oscuro lejos de fuente lumínicas, y a ser posible, en una noche despejada.

A mucha gente no le gusta hacer fotos con luna llena ya que se pierden detalles en los cráteres. Otra oportunidad de volver a sacar la cámara otro día para hacer la “medialuna”.

Nos será imprescindible:

• Trípode.
• Disparador remoto o en sustitución el temporizador de la cámara. Ni se te ocurra hacer la toma manual.
• Teleobjetivo (mínimo con longitud focal de 200).
• Abrigo. A no ser que quieras congelarte.

La idea es hacer la fotografía con nuestra cámara normal. No necesitaremos un telescopio, adaptadores y rotores para el trípode como si estuviésemos en una clase de atrofotografía.

Montamos el equipo, dejamos la ISO 100 (muy importante, aunque no tengamos luz, la luna sí que está iluminada) y utilizamos el modo manual de la cámara.

Con ISO 100, Longitud Focal 200, una abertura media f8, tendremos un tiempo de exposición de 1/4. Estos son los valores que la cámara en automático nos proporcionaría.

El resultado será este pequeño desastre:

Los problemas:

• La luna nos sale muy pequeña.
• La imagen es borrosa.
• No tiene ningún detalle, es un punto blanco.

Lo que nos ha pasado es totalmente normal. Ya decíamos que la luna está muy lejos, con lo que necesitaremos de la mayor longitud focal de la que dispongamos. En la anterior fotografía, con un 200 vemos que ni nos llega. Sin embargo ya veremos que esto lo podemos solucionar con un recorte.

El poco detalle y el punto blanco que nos aparece tiene la misma naturaleza que cuando fotografiamos la nieve. Nuestro maravilloso sensor de varios cientos de euros se confunde y no es capaz de exponer adecuadamente.

Aunque hay unas reglas que especifican qué combinación de apertura/velocidad debemos utilizar para fotografiar la luna nunca las sigo. La atmósfera y la luminosidad aparente de la luna nunca es la misma.

Mi regla pasa por utilizar ISO 100, f8 y jugar con el tiempo para obtener la exposición adecuada. Teniendo en cuenta que no podemos poner mucho tiempo de exposición porque, a parte de salir la luna más blanca, la luna se mueve rápido y sacaríamos la foto movida.

Si hacemos varias pruebas con 1/100, 1/200, 1/320:

Tendremos ya algo más razonable.

En esta serie de tomas me quedaría con 1/200.

Finalizamos procesando el RAW, recortamos, ajustamos niveles, enfoque, cambiamos un poquito el color, y este es el resultado:

El problema de no utilizar un telescopio es el no poder efectuar impresiones en gran formato. Para conseguir un tamaño interesante de la luna lo que estamos realizando es un recorte y una ampliación de la zona. Para ver en pantalla está muy bien. Pero como copia impresa tendríamos problemas si queremos obtener cierta calidad.